Laurence Broydé : née en 1969 à Brive, vit à Nantes, travaille à Nantes.

Graphiste de formation et membre du collectif d’artistes ALaPlage, Laurence Broydé construit une œuvre singulière au croisement de divers médiums d’expression. Du graphisme
à l’installation, du dessin à la sculpture, l’artiste mène des recherches artistiques différenciées et en même temps complémentaires. A la manière d’un hypertexte, l’art de Laurence Broydé compose un univers plastique dans lequel
les couleurs, les formes et les matières sont utilisées avec une grande acuité. Ce qui frappe dans la trajectoire de Laurence Broydé, c’est indéniablement son sens de la composition, son utilisation extrêmement précise de la couleur, la plasticité et l’organicité des composants plastiques de ses œuvres.
Si nous prenons plaisir à appréhender ses images et ses objets, Laurence Broydé nous invite également à réfléchir à la définition de l’œuvre d’art en lui attribuant des fonctions divergentes ou contradictoires. Entre art, design et artisanat, son œuvre oscille sans cesse entre différentes polarités. Artiste-caméléon, Laurence Broydé transforme tout ce qu’elle touche en art.

Dans les dessins que Laurence Broydé réalise en atelier, l’artiste crée des « espèces d’espaces », pour reprendre les mots de Georges Perec, jouant sur les effets de perspectives
et de planéité, de paysage et d’abstraction, de fluidité et de géométrie. Ces dessins sont le lieu d’une genèse de son travail dans lequel l’artiste laisse surgir son imaginaire débridé. L’artiste décline ses dessins en sérigraphie sur divers supports. Ce report du dessin à la technique de la sérigraphie offre à l’artiste la possibilité de réinterpréter son dessin initial par un travail de synthèse des formes et d’aplanissement de la couleur. Au-delà de ce passage du dessin unique vers le multiple imprimé, il me semble que cette pratique du dessin sur papier incarne un espace expérimental et ontologique dans lequel se déploient ses esthétiques et ses formalismes.

Dans le secret de son atelier, Laurence Broydé développe
un travail à la lisière de la mode, de la sculpture et de la performance. L’artiste réalise quotidiennement avec une grande patience des « Sculptures à porter » avec la technique artisanale du crochet. Cette pratique lente et manuelle offre à l’artiste une grande économie de moyens, un retour du geste du faire dans

le processus de création ainsi que du corps dans le dispositif de monstration de la pièce. Ces volumes en laine, sortes de masques oblitérant autant le visage que la vision, transforment le corps en sculpture vivante. Là encore, l’artiste se joue des frontières entre art et design, arts plastiques et arts vivants, création de l’esprit et création artisanale. Tantôt sculptures sur un socle, accessoires d’une performance ou création de mode, ses sculptures changent de statut en fonction du contexte.

Si l’artiste crée des formes qui peuvent sembler autonomes, elle induit toujours une mise en scène ou des modalités d’usage qui interrogent le statut de l’œuvre.

En complément de cette pratique quotidienne du dessin et du crochet, Laurence Broydé produit de vastes installations se déployant dans l’espace à l’occasion des expositions auxquelles elle est invitée. À de multiples reprises, l’artiste a réalisé des dessins dans l’espace relevant à la fois du graphisme, de la scénographie et de l’installation.

Ces interventions sont toujours le fruit d’une approche autant sensible qu’analytique des espaces dans leur singularité. Cette pratique de dessin mural est à la fois une appropriation de l’espace et un travail de déconstruction de la perspective. Jouant souvent avec des constituants simples comme la ligne, le noir et le blanc, ses dessins spatiaux opèrent des illusions de mouvement, des déformations optiques et des anamorphoses qui bouleversent la perception des lieux.

Ce travail sur l’espace invite le public à s’immerger dans l’installation et à faire une expérience esthétique dans laquelle le corps dans son entier est sollicité. En effet, dans ces environnements plastiques, le corps du spectateur n’est plus « devant le tableau », mais devient un véritable acteur de l’œuvre. Ce type de productions, comme par exemple sa
« Zone d’exposition » réalisée dans le cadre de l’exposition Igitur, met en évidence un questionnement fondamental sur
la valeur d’exposition et sur la capacité de l’art à transformer littéralement notre expérience de l’espace.

Ces dispositifs de déformation de l’espace physique s’incarnent d’une autre manière dans ce que l’artiste appelle les « Open-spaces ». Cette autre série de réalisations semble combiner l’œuvre autonome et l’espace réel dans lequel elle se donne à voir. Sculptures à mi-chemin entre le dessin, l’architecture et la peinture, les « Open-spaces » reprennent des éléments plastiques chers à l’artiste comme les dégradés de couleurs pour, comme leur nom l’indique, ouvrir l’espace à

d’autres dimensions. L’artiste joue ici sur des effets de perspective et de planéité pour mieux déjouer les habitudes perceptives et ouvrir les potentialités de l’espace réel.
Ces formes ont quelque chose à voir avec la physique quantique et les sciences de l’univers. Par les jeux de
couleurs et les illusions de profondeurs qu’ils mettent en œuvre, les « Open-spaces » ont quelque chose d’énigmatique. Ils font apparaître une dimension spécifique et paradoxale de l’espace physique : un monde clos dans lequel semble se dessiner l’univers infini. C’est ainsi d’une manière personnelle et intuitive, et à l’aide de procédés purement plastiques que les œuvres de Laurence Broydé touchent ici la qualité d’un espace autre, une « hétérotopie » aurait pu dire Michel Foucault. Il y a également une forme d’utopie dans ses « Open-spaces » qui relèvent d’une esthétique quantique et de ce que je nommerais une phénoménologie du trou noir.

Profondément nourri de graphisme aussi bien que de culture visuelle et populaire, le travail de Laurence Broydé se déploie dans toutes les dimensions de l’espace connu et inconnu.
Son parcours artistique décrit un mouvement du monde clos de la page vers l’univers infini de l’espace réel. Tout se déroule comme si l’artiste cherchait à s’évader de l’espace limité de la feuille de papier qui est pourtant la base de son travail. Son œuvre trace une ligne fuyante convergeant vers un seul et même point, à la manière d’une perspective classique dans un tableau de la Renaissance. Les espaces imaginaires que l’artiste crée dans ses dessins s’incarnent de plus en plus dans l’espace réel, déployant son vocabulaire plastique et symbolique dans les trois dimensions de l’espace. L’artiste ouvre un nouveau chapitre dans sa création en commençant

à présenter dessins et sculptures au sein de ses installations. Par-delà la multitude des médiums et des supports,
la démarche de Laurence Broydé explore ainsi le principe d’une combinatoire reliant la partie au tout et le tout à la partie.

Dans Le cornet acoustique (1974)¹—livre écrit par la peintre et écrivaine Leonora Carrington à propos d’une nonagénaire ex-surréaliste et de ses aventures dans une maison de retraite s’apparentant à une secte—l’héroïne remarque le portrait peint d’une nonne vaguement espagnole, qui semble la regarder et lui faire un clin d’œil. Ce regard mystérieux suffit pour que l’imagination de Marian s’envole, lui inventant un nom et des origines, tout en éprouvant des sentiments plutôt amicaux pour elle—« une femme aussi formidable qu’épouvantable », comme elle est décrite dans un livre donné à Marian par un autre personnage haut-en-couleur de la communauté.

Le regard est tout aussi important dans « Espaces d’espèces », l’exposition de Laurence Broydé à l’Atelier Alain Lebras². Les yeux y sont omniprésents ; ils sont multiples, inhérents aux Sculptures à porter réalisées au crochet. Ainsi, nous rencontrons Visio, Rainbow, Argos, Le Troisième Œil, Fireman, (toutes de 2017) dans un environnement qui ressemble à une scène de théâtre ; nous nous retrouvons vraisemblablement dans leur habitat naturel, elles nous font miroir et nous renvoient à notre propre présence—d’observateurs en observation. Nous nous retrouvons parmi ces sculptures- totems, perchées sur leurs piédestaux, attendant qu’un événement encore inconnu se déroule…

Les figures de Broydé suggèrent l’immanence—un fil qui se tisserait continuellement sur lui-même, encore et encore, telle une pensée indisciplinée. Les nombreux nœuds fibreux qui forment la base de ces sculptures varient en couleur et se fondent ensemble pour créer du volume, des liens à la fois flexible et solides ; ils dressent des formes et des mouvements changeants. Comme leur titre l’indique, ces formes souples conçues pour être portées détiennent un potentiel d’interaction (elles sont exposées ici pour la première fois sur des socles, ayant précédemment été portées dans le contexte de performances). Ainsi, ces sculptures à porter ont une présence hétérogène, plurielle et dérangeante – unheimlich³ ; dans le même temps, elles témoignent d’une absence.

Il y a de la transcendance, également, dans la peinture immersive (de la série Open Space) qui sert de toile de fond au groupe. Ici l’artiste prolonge l’espace d’exposition, faisant allusion à d’autres existences (l’hétérotopie de Foucault), d’autres forces, d’autres états d’esprit. Lors d’itérations précédentes des Open Spaces, elle a créé des extensions virtuelles à l’aide de peinture à l’Aérographe et de scotch, transformant des espaces transitoires—tel que des escaliers ou des couloirs—en histoires ouvertes dont le contenu sera déterminé par le public. Ces œuvres nous rappellent que les espaces liminaux comptent aussi. Ils sont ici le lieu et le décor d‘interactions transitoires ; un échange de regards, une conversation, un nu duchampien descendant, voire même une vidéo de hip-hop, comme cela a été le cas au 38 Breil à Nantes. Dans les travaux de Laurence Broydé, des éléments contrastés se réunissent ; tantôt en harmonie, tantôt en contrepoint. Ceux-ci se révèlent parfois capricieux—une langue qui émerge du centre d’une fleur—parfois réflexifs—une sorte d’écran-rideau remplaçant la mer. Une palette de couleur vibrante d’énergie se juxtapose à des thèmes issus de l’antiquité—des masques rituels, l’ici et l’au- delà, la présence d’esprits et d’êtres de l’outre monde et qui font référence à d’anciennes croyances animistes, à d’autres conceptions de l’univers. L’incertitude est aussi présente dans des traces de notre société de consommation laissées sur le sol sableux— emballages en plastiques, gobelets jetables et chewing-gum mâchés hantent l’avenir de notre planète avec pour seule garantie la promesse d’un réchauffement climatique.
Un changement de perspective, un repositionnement est souvent présent dans ces œuvres. Dans Oratoire (2022), nous pénétrons dans un espace circulaire et matriciel pour nous rapprocher d’une sculpture en état de non-usage—ou Lagerform⁴, pour emprunter un terme à l’artiste allemand Franz Erhardt Walther. Scala Vestibuli (2018), est une Sculpture à porter dont le socle, bas-relief en céramique, est couronné d’une volumineuse masse médusesque au crochet cramoisi et noir, portée pour la dernière fois lors d’une performance⁵ en 2021. Un autre de ces déplacements a lieu avec les petites fleurs crochetées et les boules de chewing-gum et des ballons en verre soufflé. Lorsque nous nous rapprochons de ces sculptures, nous découvrons que ce qui était autrefois de nature fragile et transitoire a été imprégné d’une aura beaucoup plus résistante ; tel un masque que l’on enfilerait pour devenir quelqu’un d’autre. Un pas un arrière et nous nous rendons compte que ce qui semblait être au départ un petit jardin tranquille est devenu un visage qui nous regarde, taquin.

Ce glissement a lieu à plusieurs reprises dans « Espaces d’espèces »—masques devenant sculptures et qui ressemblent à des créatures, un rideau peint devenant sculpture6. Il se produit lorsque nous nous rendons compte que les détails peints sur la surface sont en fait des protubérances sculptées qui mènent à des portails potentiels. Certains tableaux rappellent des espaces richteriens; une bougie ⁷ allumée qui ne cessera jamais d’illuminer des espaces obscurs. De l’autre côté de l’obscurité demeure—maintenant ou dans le futur—de la lumière. Telle la photographie d’un moment sublime ou mémorable, l’œuvre de Broydé s’empare du transitoire pour le prolonger ; comme ce que Leonora Carrington pourrait souhaiter nous transmettre quand sa protagoniste observe le portrait de la nonne—elle prolonge de fait son existence, lui créant une vie rêvée, inventée.

La contrepartie de ceci serait, qu’en tant qu’observateurs, nous serions nous-mêmes constamment observés. Jamais seuls, nous serions toujours en compagnie de nos homologues sur le plan individuel, comme sur celui de la société en tant que groupe, aujourd’hui comme dans le futur. Nos actions de ce jour sont, après tout, l’histoire en devenir. Ainsi, un spectre de possibilités s’ouvre : à nous de décider ce que nous faisons de ces Mondes potentiels.